CC40

Esta monumental caja recopilatoria de cuarenta películas celebra los cuarenta años de la Criterion Collection reuniendo una apasionante mezcla de películas clásicas y contemporáneas, y presentándolas con todos sus contenidos especiales y ensayos en una edición de lujo encuadernada en tela y con estuche. La ecléctica selección de CC40 incluye los títulos más elegidos por los cientos de cineastas, actores, guionistas y otras figuras destacadas amantes del cine que han visitado Criterion a lo largo de los años, tal y como se recoge en nuestra popular serie de vídeos «Closet Picks». Lejos de ser un repaso histórico o una recopilación de las cuarenta mejores, esta antología emocionante, personal e impredecible refleja las alegrías e inspiraciones cinematográficas de la comunidad creativa que hace posible la Criterion Collection. Ver el avance Ver el vídeo de unboxing Leer la introducción a la caja recopilatoria

Películas en este set:

• 8½ (1963)
• Tokyo Story (1953)
• All That Jazz (1979)
• Bicycle Thieves (1948)
• Repo Man (1984)
• Naked (1993)
• Jules and Jim (1962)
• Being There (1979)
• Weekend (1967)
• Yi Yi (2000)
• The Night of the Hunter (1955)
• Pickpocket (1959)
• Sweet Smell of Success (1957)
• On the Waterfront (1954)
• Do the Right Thing (1989)
• Ratcatcher (1999)
• Sunday Bloody Sunday (1971)
• Mirror (1975)
• Barry Lyndon (1975)
• Safe (1995)
• Seconds (1966)
• His Girl Friday (1940)
• Mishima: A Life in Four Chapters (1985)
• Y tu mamá también (2001)
• My Own Private Idaho (1991)
• Love & Basketball (2000)
• Night of the Living Dead (1968)
• Ace in the Hole (1951)
• 3 Women (1977)
• The Red Shoes (1948)
• Down by Law (1986)
• La Ciénaga (2001)
• Wanda (1970)
• House (1977)
• Sullivan’s Travels (1941)
• The Battle of Algiers (1966)
• A Woman Under the Influence (1974)
• Cléo from 5 to 7 (1962)
• Persona (1966)
• In the Mood for Love (2000)

CARACTERISTICAS DE LA EDICION ESPECIAL

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• Marcello Mastroianni interpreta a Guido Anselmi, un director cuyo nuevo proyecto se desmorona a su alrededor, al igual que su vida. Una de las mejores películas sobre el cine jamás rodadas, «8½» (Otto e mezzo), de Federico Fellini, convierte la crisis artística de un hombre en una gran epopeya cinematográfica. Uno de los primeros títulos provisionales de 8½ fue «La bella confusión», y la obra maestra de Fellini es precisamente eso: un sueño resplandeciente, un circo y un número de magia. También se incluye la primera película para televisión de Fellini, poco conocida, «Fellini: El cuaderno de un director» (1969). Producido por Peter Goldfarb, este «documental imaginario» de Fellini sobre Fellini es un caleidoscopio de proyectos inacabados, todos los cuales ofrecen una visión fascinante y sincera del proceso creativo único del director.
• «Historia de Tokio», una evocación profundamente conmovedora de la humanidad en su forma más esencial y del desamor universal, es la obra cumbre del incomparable Yasujiro Ozu. La película, que narra el viaje de una pareja de ancianos para visitar a sus hijos ya adultos en el bullicioso Tokio de la posguerra, explora el rico y complejo mundo de la vida familiar con la delicadeza habitual del director y su incisiva perspectiva sobre las costumbres sociales. Con las encantadoras interpretaciones de Chishu Ryu y Setsuko Hara, habituales en las películas de Ozu, «Historia de Tokio» explora y profundiza en el tema recurrente del conflicto generacional, creando lo que es, sin lugar a dudas, una de las obras maestras más imponentes del cine.
• El director y coreógrafo Bob Fosse, dotado de un talento sobrenatural, dirigió la cámara hacia su propia vida para crear esta obra maestra musical, tremendamente imaginativa y autocrítica. Roy Scheider ofrece la interpretación de su carrera en el papel de Joe Gideon, cuya agotadora agenda de trabajo —montar una producción de Broadway de día y editar su última película de noche— y cuya rutina a base de anfetaminas, alcohol y sexo están poniendo su salud en grave peligro. Fosse se adentra en la mente de Gideon (y en la suya propia), plasmando su mundo interior como un espectáculo fantasmagórico. Montada con un montaje visionario que da vida a la danza en la pantalla como nunca antes se había visto, y rebosante de sublimes pasos de baile de artistas como Ann Reinking, Leland Palmer y Ben Vereen, All That Jazz lleva el género musical a profundidades personales y a alturas estéticas virtuosas.
• Aclamada en todo el mundo como una de las mejores películas de la historia, «Ladrones de bicicletas», ganadora de un Óscar y dirigida por Vittorio De Sica, marcó una época en el cine. En la Roma de la posguerra, asolada por la pobreza, un hombre se enfrenta a su primer día en un nuevo trabajo que ofrece una esperanza de salvación para su desesperada familia, cuando le roban la bicicleta, de la que depende para trabajar. Acompañado de su hijo pequeño, se lanza a la búsqueda del ladrón. De estructura sencilla y profundamente rica en perspicacia humana, Ladrones de bicicletas encarna los mayores puntos fuertes del movimiento neorrealista italiano: claridad emocional, rectitud social y honestidad brutal.
• Una película de culto por excelencia de los años 80: esta singular comedia de ciencia ficción de Alex Cox está protagonizada por el siempre cautivador Harry Dean Stanton, en el papel de un veterano agente de embargos en un desolado Los Ángeles, y por Emilio Estevez, que interpreta a un punk nihilista de clase media al que el primero acoge bajo su protección. El trabajo acaba siendo más de lo que ninguno de los dos esperaba cuando se ven envueltos en la recuperación de un misterioso —y de otro mundo— Chevy Malibu por el que se ofrece una cuantiosa recompensa. Con la mejor banda sonora punk de Los Ángeles de principios de los ochenta, esta odisea hilarante y de estilo grunge es también una visión políticamente mordaz de las políticas nacionales y exteriores del presidente Reagan.
• La brillante y polémica película Naked, del director Mike Leigh, está protagonizada por David Thewlis en el papel de Johnny, un vagabundo encantador y elocuente, pero implacablemente cruel. Rechazando a cualquiera que pudiera preocuparse por él, el explosivo Johnny se lanza a recorrer Londres en una odisea nocturna, chocando con una sucesión de personas desesperadas y desamparadas y quemando a todo el que se cruza en su camino. Con un guion magistral y las crudas interpretaciones de Thewlis y sus coprotagonistas Katrin Cartlidge y Lesley Sharp, la representación que hace Leigh de los bajos fondos de Inglaterra es una amalgama de comedia negra y profecía apocalíptica que se alzó con los premios al mejor director y al mejor actor en el Festival de Cannes de 1993.
• Aclamada como una de las mejores películas de la historia, «Jules y Jim» narra, a lo largo de veinticinco años, la relación entre dos amigos y el objeto de su obsesión mutua. Dirigida por el legendario François Truffaut, la película cuenta con Jeanne Moreau en el papel de la seductora y obstinada Catherine, cuya enigmática sonrisa y naturaleza apasionada arrastran a Jules (Oskar Werner) y a Jim (Henri Serre) a uno de los triángulos amorosos más cautivadores del cine. «Jules y Jim», una reflexión exuberante y conmovedora sobre la libertad, la lealtad y la fortaleza del amor, fue un éxito mundial en 1962 y sigue siendo hoy tan audaz y fascinante como entonces.
• En una de sus interpretaciones más logradas, Peter Sellers da vida a Chance, un jardinero de corazón puro e inocente que se ve obligado a adentrarse en las calles de Washington D. C. cuando fallece su acaudalado tutor. Conmocionado al descubrir que el mundo real no responde al clic de un mando a distancia, Chance se ve envuelto en el mundo de las celebridades tras ser acogido bajo el ala de un magnate (Melvyn Douglas, en una interpretación ganadora de un Óscar), quien confunde los balbuceos sobre jardinería de su protegido con sagaces reflexiones sobre la vida y la política, y cuya esposa (Shirley MacLaine) se fija en Chance como objeto de su deseo. Adaptada de una novela de Jerzy Kosinski, esta sátira, a la vez profundamente melancólica y hilarante, es la culminación de la notable serie de películas de Hal Ashby en la década de 1970, y un análisis cuidadosamente matizado de los ideales, las ansiedades y las ilusiones alimentadas por los medios de comunicación que dieron forma a la cultura estadounidense durante esa década.
• Esta mordaz sátira de Jean-Luc Godard, de finales de los sesenta, es una de las grandes obras anárquicas del cine. Decididos a cobrar la herencia de un pariente moribundo, una pareja burguesa recorre la campiña francesa mientras la civilización se desmorona a su alrededor. Con una secuencia merecidamente famosa en la que la cámara recorre un atasco aparentemente interminable, y repleta de referencias históricas y literarias, Weekend es un llamamiento a la revolución surrealista, divertido e inquietante, una representación de la sociedad volviendo a la barbarie y —según los créditos— el fin del propio cine.
• La extraordinaria película «Yi Yi», aclamada internacionalmente y dirigida por el difunto maestro taiwanés Edward Yang, sigue a una familia de clase media de Taipéi a lo largo de un año, desde una boda hasta un funeral. Ya sea al narrar los tímidos coqueteos de NJ, el padre de mediana edad, con un antiguo amor, o los intentos del precoz hijo pequeño, Yang-Yang, por capturar la realidad con su querida cámara, el cineasta impregna con destreza cada magnífico fotograma de una claridad compasiva. Cálida, amplia y deslumbrante, esta epopeya íntima es una de las obras maestras indiscutibles del siglo XXI.
• La noche del cazador —por increíble que parezca, la única película que dirigió el gran actor Charles Laughton— es, sin duda, una obra maestra única en su género. Una película de terror con el estilo de un cuento de los hermanos Grimm, protagonizada por un Robert Mitchum sublime y siniestro en el papel de un predicador itinerante llamado Harry Powell (el de los nudillos tatuados), cuyos motivos nefastos para casarse con una frágil viuda, interpretada por Shelley Winters, son descubiertos por los aterrorizados hijos pequeños de esta. Adornada con imágenes de una belleza inquietante y un sentido del humor socarrón, este clásico estadounidense etéreo y expresionista —en el que también participan la actriz Lillian Gish y el escritor James Agee— es la interpretación más excéntrica del cine sobre la batalla entre el bien y el mal.
• La noche del cazador fue restaurada por el Archivo de Cine y Televisión de la UCLA, en colaboración con Metro-Goldwyn-Mayer Studios, Inc., gracias a la financiación aportada por Robert Sturm y The Film Foundation.
• Esta incomparable historia de crimen y redención del maestro francés Robert Bresson sigue a Michel, un joven carterista que se pasa los días actuando en las calles, los vagones del metro y las estaciones de tren de París. Sin embargo, a medida que crece su búsqueda compulsiva de la emoción de robar, también lo hace su temor a que su suerte esté a punto de agotarse. Piedra angular de la carrera de este cineasta —el más sobrio y profundamente espiritual—, Pickpocket es un estudio de la humanidad, con toda su malicia y su gracia, elaborado con elegancia y coreografiado con precisión, obra de un director en la cima de su maestría.
• En la trepidante y cínica Sweet Smell of Success, dirigida por Alexander Mackendrick, Burt Lancaster interpreta al despiadado columnista de cotilleos de Broadway J. J. Hunsecker, y Tony Curtis da vida a Sidney Falco, el agente de prensa sin escrúpulos al que Hunsecker convence para que difame al prometedor músico de jazz que está saliendo con su querida hermana. Con diálogos deliciosamente sórdidos, en un guion ácido y brillantemente estructurado de Clifford Odets y Ernest Lehman, y paisajes urbanos de neón al estilo noir del director de fotografía ganador de un Óscar James Wong Howe, Sweet Smell of Success es un relato chispeante y cruel de la jungla de Manhattan de los años 50, donde o matas o te matan.
• Marlon Brando ofrece la mejor interpretación de su carrera en el papel de Terry Malloy, un duro boxeador profesional reconvertido en estibador, en esta obra maestra de la poesía urbana. Una historia desgarradora y emotiva sobre el fracaso individual y la corrupción social, «La ley del silencio» narra la creciente crisis moral de Terry, que debe decidir si seguir siendo leal al jefe sindical vinculado a la mafia, Johnny Friendly (Lee J. Cobb), y a la mano derecha de este, su hermano Charley (Rod Steiger), mientras las autoridades les acorralan. Impulsada por la vívida y naturalista dirección de Elia Kazan y los diálogos sabrosos y callejeros de Budd Schulberg, La ley del silencio causó sensación de inmediato y ganó ocho premios Óscar®, entre ellos los de mejor película, dirección, actor protagonista, actriz de reparto (Eva Marie Saint) y guion.
• Ambientada en una manzana del barrio de Bed-Stuy Do or Die, en Brooklyn, en pleno verano, esta obra maestra de Spike Lee de 1989 lo consagró como guionista y cineasta de una visión sin igual y un apasionado compromiso social. A lo largo de un solo día, las interacciones distendidas de un elenco de personajes inolvidables —entre ellos Da Mayor, Mother Sister, Mister Señor Love Daddy, Tina, Sweet Dick Willie, Buggin Out, Radio Raheem, Sal, Pino, Vito y el Mookie de Lee, entre otros— dan paso a acalorados enfrentamientos a medida que aumentan las tensiones a lo largo de las líneas divisorias raciales, lo que acaba desembocando en violencia. Acompañada por el estribillo emblemático de «Fight the Power», de Public Enemy, Do the Right Thing es un hito del cine estadounidense, tan cargado de carga política y emocional y tan relevante hoy como cuando se estrenó en la gran pantalla.
• En su impresionante y segura ópera prima, Lynne Ramsay crea una evocación inquietante de una infancia convulsa en Glasgow. Ambientada durante la huelga nacional de basureros de Escocia a mediados de la década de 1970, Ratcatcher explora las experiencias de un adolescente sin recursos que lucha por conciliar sus sueños y su culpa con la miseria que le rodea. Mediante unas imágenes bellas y esquivas, unas interpretaciones sinceras y un humor inesperado, Ramsay contrasta con destreza la decadencia urbana con un rico paisaje interior de esperanza y perseverancia, lo que da como resultado una obra a la vez cruda y profundamente poética.
• John Schlesinger siguió a su emblemática «Midnight Cowboy» con esta visión profundamente personal del amor y el sexo. «Sunday Bloody Sunday» narra las vidas sentimentales de dos londinenses, un médico de mediana edad y una divorciada de treinta y tantos años de carácter difícil —interpretados con gran sensibilidad por Peter Finch y Glenda Jackson—, que mantienen relaciones con el mismo joven y apuesto artista (Murray Head). Una revelación en su época, esta puede que sea la película más inteligente y matizada de los setenta sobre las complejidades de las relaciones sentimentales.
• Un recorrido sutilmente cautivador por los pasillos del tiempo y la memoria: esta sublime reflexión sobre la historia rusa del siglo XX, obra de Andrei Tarkovsky (Stalker), es tanto un poema compuesto en imágenes —o una alucinación hipnagógica— como una obra cinematográfica. En un collage de rica textura, compuesto por diferentes tipos de película y secuencias de noticiarios, los recuerdos de un poeta moribundo se suceden ante nuestros ojos, entremezclando sus sueños con escenas de la infancia, la guerra y el matrimonio, todo ello impregnado del poder místico de un trance. Aunque fue en gran medida rechazada por la crítica soviética tras su estreno debido a su estructura narrativa difícil de desentrañar, Espejo se ha consolidado desde entonces como una de las obras más reconocidas e influyentes del director, una impresionante declaración personal de un artista que transmite sus pensamientos y sentimientos más íntimos directamente desde su psique a la pantalla.
• Stanley Kubrick se saltó las convenciones del drama histórico a su antojo en esta deslumbrante visión de una aristocracia despiadada, adaptada de una novela de William Makepeace Thackeray. Con detalles picarescos, Barry Lyndon narra las aventuras de un embaucador incorregible (Ryan O’Neal) cuyo oportunismo le lleva desde una granja irlandesa hasta los campos de batalla de la Guerra de los Siete Años y los salones de la alta sociedad. En la película más suntuosamente elaborada de su carrera, Kubrick recreó las apariencias decadentes y los intrincados códigos sociales de la época, evocando la luz y la textura de la pintura del siglo XVIII con la ayuda de técnicas cinematográficas pioneras y un lujoso diseño de vestuario y producción, todo lo cual le valió varios premios Óscar. El resultado es una obra maestra: un retrato sarcástico y devastador de un mundo en vías de desaparición cuya opulencia oculta el vacío moral que se esconde en su interior.
• Julianne Moore ofrece una interpretación reveladora en el papel de Carol White, una ama de casa de Los Ángeles de finales de los años 80 que contrae una enfermedad debilitante. Como los médicos a los que acude no le dan un diagnóstico claro, llega a creer que padece unas alergias ambientales terriblemente graves. Obra profundamente inquietante del gran director estadounidense Todd Haynes, Safe funciona en múltiples niveles: como comentario profético sobre la cultura de la autoayuda, como metáfora de la crisis del sida, como drama sobre las clases sociales y el distanciamiento social, y como película de terror sobre lo que no se ve. Este revelador drama fue nombrado la mejor película de la década de los noventa en una encuesta de Village Voice realizada a más de cincuenta críticos.
• Rock Hudson es toda una revelación en esta siniestra película con tintes de ciencia ficción ambientada en los convulsios años sesenta. Seconds, dirigida por John Frankenheimer, narra la historia de un banquero de mediana edad que, insatisfecho con su vida en las afueras, decide someterse a un extraño y complejo procedimiento que le concederá una nueva vida. Sin embargo, empezar de cero en Estados Unidos no es tan fácil como parece. Esta sinfonía paranoica de ángulos de cámara inclinados (cortesía del famoso director de fotografía James Wong Howe), montaje fragmentado y diseño de sonido en capas es una película de Hollywood extraordinariamente arriesgada que ocupa un lugar destacado en la lista de logros de su legendario director.
• «His Girl Friday», una de las películas más trepidantes, divertidas y citadas de la historia del cine, está protagonizada por Rosalind Russell en el papel de la periodista Hildy Johnson, una figura destacada entre las mujeres poderosas del cine. A Hildy solo le iguala en fuerza su astuto pero carismático editor y exmarido, Walter Burns (interpretado por el inigualable Cary Grant), quien le ofrece la oportunidad de adelantarse a sus compañeros periodistas con la noticia de una ejecución inminente para evitar que se suba al tren que se supone que la llevará a Albany y a una nueva vida como ama de casa. Al adaptar la exitosa obra teatral de Ben Hecht y Charles MacArthur, The Front Page, el director Howard Hawks tuvo la inspirada idea de convertir a la reportera estrella Hildy Johnson en una mujer, y el resultado es una mezcla inmortal entre el ambiente duro de una redacción y una exuberante comedia sobre un nuevo matrimonio. También se presenta aquí una restauración de la película de 1931 The Front Page, la famosa adaptación de Lewis Milestone, anterior al Código Hays, del mismo material.
• El retrato de Paul Schrader, visualmente impresionante y con un estilo de collage, del aclamado autor y dramaturgo japonés Yukio Mishima (interpretado por Ken Ogata) indaga en la agitación interior y las contradicciones de un hombre que intentó la tarea imposible de encontrar la armonía entre el yo, el arte y la sociedad. Ambientada en el último día de la vida de Mishima, cuando cometió su famoso seppuku en público, la película se ve salpicada por extensos flashbacks del pasado del escritor, así como por evocaciones gloriosamente estilizadas de sus obras de ficción. Con su rica fotografía de John Bailey, los exquisitos decorados y vestuario de Eiko Ishioka, y la inolvidable y muy influyente banda sonora de Philip Glass, Mishima: A Life in Four Chapters es un homenaje a su protagonista y, por derecho propio, una obra de arte audaz e investigadora.
• Esta divertidísima comedia de carretera del director ganador de un Óscar Alfonso Cuarón es una de esas raras películas que combinan una temática subida de tono con calidez emocional. Gael García Bernal y Diego Luna saltaron a la fama internacional interpretando a dos adolescentes de Ciudad de México, de diferentes clases sociales y con muchas ganas de sexo, que, después de que sus novias se marcharan a Italia para pasar el verano, quedan hechizados por una preciosa mujer española mayor (Maribel Verdú) que conocen en una boda. Cuando ella accede a acompañarlos en un viaje a una playa lejana, los tres forman una alianza cada vez más intensa y sensual que, en última instancia, los deja al descubierto tanto física como emocionalmente. Rodada con elegancia y destreza por el gran Emmanuel Lubezki, «Y tu mamá también» es una mirada divertida y conmovedora al deseo humano.
• River Phoenix y Keanu Reeves protagonizan esta inquietante historia de Gus Van Sant sobre dos jóvenes que se ganan la vida en la calle: Mike Waters, un narcoléptico sensible que sueña con la madre que lo abandonó, y Scott Favor, el hijo rebelde del alcalde de Portland y el objeto del deseo de Mike. Manejándose en un mundo volátil de drogadictos, ladrones y clientes de prostitutas, Mike se lleva a Scott a un viaje por las sórdidas calles y las carreteras del noroeste del Pacífico, en busca de un lugar esquivo llamado «hogar». Visualmente deslumbrante y temáticamente innovadora, My Own Private Idaho es una mirada profundamente conmovedora al amor no correspondido y a la vida en los márgenes de la sociedad.
• Las chispas saltan tanto dentro como fuera de la cancha en este innovador debut cinematográfico de la guionista y directora Gina Prince-Bythewood (The Old Guard), que ha elevado el género del romance de paso a la madurez al reflejar con sinceridad los retos a los que se enfrentan las deportistas en un mundo que no las considera iguales. Sanaa Lathan (Alien vs. Predator) y Omar Epps (Higher Learning) forman una de las parejas cinematográficas más emblemáticas de la década de 2000 en el papel de dos vecinos obsesionados con el baloncesto que encuentran el amor a través de coquetos partidos improvisados, se distancian bajo la presión del baloncesto universitario y de sus familias, y se alejan y se acercan en sus vidas mientras persiguen su doble aspiración de convertirse en profesionales. Con el apoyo de unas interpretaciones secundarias estelares y una ecléctica banda sonora de R&B, «Love & Basketball» captura las pasiones embriagadoras, los reveses desgarradores y las ambiciones desmesuradas que marcan el camino de una joven hacia la cima de su deporte y hacia el amor duradero.
• Rodada a las afueras de Pittsburgh con un presupuesto muy reducido por un grupo de cineastas decididos a dejar huella, La noche de los muertos vivientes, dirigida por el maestro del terror George A. Romero, es una gran historia del cine independiente: un éxito de sesioncilla de medianoche que se convirtió en un éxito de taquilla y en una de las películas más influyentes de todos los tiempos. Una historia aparentemente sencilla sobre un grupo de desconocidos atrapados en una granja que se ven obligados a defenderse de una horda de muertos vivientes devoradores de carne, La visión claustrofóbica de Romero de una América de finales de los años sesenta que, literalmente, se desmoronaba, reescribió las reglas del género de terror, combinando escenas sangrientas y espeluznantes con una aguda crítica social y abriendo nuevos caminos de forma discreta al elegir a un actor negro (Duane Jones) para el papel protagonista.
• «La noche de los muertos vivientes» fue restaurada por el Museo de Arte Moderno y The Film Foundation, con financiación de la Fundación de la Familia George Lucas y el Fondo de Conservación Celeste Bartos.
• «Ace in the Hole», de Billy Wilder, es una de las críticas más mordaces a la cultura estadounidense que jamás haya producido un cineasta de Hollywood. Kirk Douglas ofrece la interpretación más feroz de su carrera en el papel de Chuck Tatum, un periodista sin escrúpulos que acaba en la ciudad sin futuro de Albuquerque, se topa con la primicia de su vida y está dispuesto a todo con tal de seguir acaparando titulares sensacionalistas. La secuela de Sunset Boulevard de Wilder es una visión aún más oscura, una denuncia sin tapujos del ansia de sensacionalismo de los medios de comunicación estadounidenses que, con el paso del tiempo, no ha hecho más que cobrar mayor relevancia.
• En una polvorienta y poco poblada localidad turística de California, una ingenua joven del sur, Pinky Rose (Sissy Spacek), idolatra y entabla amistad con su compañera de trabajo, la aspirante a sofisticada y «totalmente moderna» Millie Lammoreaux (Shelley Duvall). Cuando Millie acoge a Pinky como compañera de piso, la admiración casi heroica de Pinky se convierte en algo mucho más extraño y siniestro de lo que ninguna de las dos podría haber imaginado. Con brillantes interpretaciones de Spacek y Duvall, esta obra maestra onírica de Robert Altman oscila entre lo cómico, lo escalofriante y lo surrealista, lo que da como resultado una de las películas más insólitas y cautivadoras de la década de 1970.
• «Las zapatillas rojas», la singular fantasía de Michael Powell y Emeric Pressburger, es el drama entre bastidores por excelencia del cine, así como uno de los espectáculos en Technicolor más espléndidos jamás creados para la gran pantalla. Moira Shearer interpreta a una bailarina en pleno ascenso, dividida entre un compositor idealista y un despiadado empresario empeñado en la perfección. Con interpretaciones excepcionales, una fotografía de una belleza deslumbrante a cargo de Jack Cardiff, decorados y música galardonados con un Óscar, y una secuencia de baile central inolvidable y alucinatoria, este querido clásico, restaurado de forma deslumbrante, se erige como un fascinante homenaje a la vida del artista.
• La película «Las zapatillas rojas» ha sido restaurada por el Archivo de Cine y Televisión de la UCLA en colaboración con el BFI, The Film Foundation, ITV Global Entertainment Ltd. y Janus Films. La financiación de la restauración ha corrido a cargo de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, The Film Foundation y la Fundación Louis B. Mayer.
• El director Jim Jarmusch siguió a su brillante película revelación, Stranger Than Paradise, con otro retrato, igualmente querido, de solitarios e inadaptados en el paisaje estadounidense. Cuando el destino une a tres hombres desafortunados —un disc jockey en paro (Tom Waits), un proxeneta de poca monta (John Lurie) y un turista italiano de carácter fuerte (Roberto Benigni)— en una prisión de Luisiana, se desata una aventura singular. Descrita por Jarmusch como una «comedia noir neo-Beat», Down by Law es en parte pesadilla y en parte cuento de hadas, con interpretaciones magistrales y una nítida fotografía en blanco y negro a cargo del prestigioso Robby Müller.
• El estreno de La Ciénaga, de Lucrecia Martel, supuso la llegada de una voz sorprendentemente vital y original al cine argentino. Con una visión narrativa radical e inquietante, una fotografía magnífica y un uso muy sofisticado del sonido dentro y fuera de la pantalla, Martel convierte su relato sobre una familia burguesa disoluta que pasa el tiempo en un verano caluroso y pegajoso en una maravilla cinematográfica. Esta visión visceral de las clases sociales, la naturaleza, la sexualidad y las formas en que la agitación política y el estancamiento social pueden manifestarse en las relaciones humanas es un drama de extraordinaria intensidad sensorial y uno de los grandes debuts cinematográficos contemporáneos.
• Con su primer y único largometraje —un drama sobre la adversidad que ella misma escribió, dirigió e interpretó—, Barbara Loden firmó una obra pionera del cine independiente estadounidense, dando vida a un tipo de personaje que rara vez se veía en la gran pantalla. Ambientada en un paisaje de Pensilvania cubierto de hollín y rodada con un estilo «vérité» intensamente íntimo, la película se centra en Wanda (Loden), que ha abandonado a su marido, ha perdido la custodia de sus hijos y ahora se encuentra sola, vagando entre bares sórdidos y moteles, donde cae presa de una serie de hombres despiadados —entre ellos un atracador de bancos que la involucra en su próximo plan criminal—. Obra maestra hasta ahora difícil de ver, pero que, sin embargo, ha ejercido una influencia desmesurada en generaciones de artistas y cineastas, Wanda es un retrato compasivo y desgarrador de una mujer abandonada en los márgenes de la sociedad.
• «Wanda» ha sido restaurada por el Archivo de Cine y Televisión de la UCLA. La financiación de la restauración ha corrido a cargo de Gucci y The Film Foundation.
• ¿Cómo describir la indescriptible película de Nobuhiko Obayashi de 1977, House (Hausu)? ¿Como un cuento de fantasmas psicodélico? ¿Como un cuento para dormir al estilo de la corriente de la conciencia? ¿Como un episodio de Scooby-Doo dirigido por Mario Bava? Cualquiera de las anteriores opciones serviría para esta alucinante experiencia mental sobre una colegiala que viaja con seis compañeros de clase a la destartalada casa de campo de su tía enferma y se encuentra cara a cara con espíritus malignos, un gato doméstico demoníaco, un piano sanguinario y otras visiones macabras, todo ello materializado por Obayashi mediante mates, animación y efectos de collage. Tan absurda como aterradora, House bien podría haber sido transmitida a la Tierra desde algún otro planeta. Nunca antes disponible en vídeo doméstico en Estados Unidos, es uno de los descubrimientos de culto más emocionantes de los últimos años.
• Cansado de producir comedias sin sustancia, el director de Hollywood John L. Sullivan (Joel McCrea) decide rodar O Brother, Where Art Thou?, una película seria y con conciencia social sobre el sufrimiento humano. Cuando sus productores le hacen ver que no sabe nada de las penurias de la vida, Sullivan se lanza a la carretera disfrazado de vagabundo. En su camino hacia la iluminación, se encuentra con una joven encantadora pero sensata (Veronica Lake) y con más problemas de los que jamás hubiera imaginado. Esta obra maestra de la comedia de Preston Sturges es una de las mejores sátiras de Hollywood y un hito en la carrera de uno de los cómicos más venerados de la industria.
• Una de las películas políticas más influyentes de la historia, «La batalla de Argel», de Gillo Pontecorvo, recrea de forma vívida un año clave en la tumultuosa lucha argelina por la independencia frente a la ocupación francesa en la década de 1950. A medida que la violencia se recrudece en ambos bandos, los niños disparan a los soldados a quemarropa, las mujeres colocan bombas en cafeterías y los soldados franceses recurren a la tortura para quebrantar la voluntad de los insurgentes. Rodada en las calles de Argel al estilo documental, la película es un estudio de caso sobre la guerra moderna, con sus atentados terroristas y las brutales técnicas empleadas para combatirlos. La obra maestra de Pontecorvo tiene una relevancia sorprendente en la actualidad.
• Este retrato implacable de la crisis familiar narra el colapso emocional de una ama de casa de las afueras y la lucha de su familia por salvarla de sí misma. Gena Rowlands y Peter Falk ofrecen unas interpretaciones inolvidables y desgarradoras como un matrimonio profundamente enamorado, pero incapaz de expresar su pasión de una forma que el otro pueda entender. Esta película estadounidense de referencia es, quizás, la obra más querida del extraordinario John Cassavetes.
• Agnès Varda plasma con gran elocuencia el París de los años sesenta en este retrato en tiempo real de una cantante (Corinne Marchand) que se ve a la deriva en la ciudad mientras espera los resultados de una biopsia. Crónica de los minutos de la vida de una mujer, Cléo de 5 a 7 es una mezcla llena de vida entre el cine vérité y el melodrama, con banda sonora de Michel Legrand (Los paraguas de Cherburgo) y cameos de Jean-Luc Godard y Anna Karina.
• A mediados de los años sesenta, Ingmar Bergman ya había creado muchas de las imágenes más inolvidables del cine. Pero con la radical Persona, alcanzó nuevas cotas de poesía visual. En la primera de una serie de interpretaciones legendarias para Bergman, Liv Ullmann interpreta a una actriz de teatro que, inexplicablemente, ha perdido el habla; una Bibi Andersson igualmente hipnótica da vida a la joven y locuaz enfermera que la cuida en una apartada cabaña de una isla. Mientras permanecen aisladas juntas allí, las mujeres experimentan una misteriosa transferencia espiritual y emocional. Interpretada con un matiz asombroso y rodada con contrastes marcados y una luz suave por Sven Nykvist, la influyente Persona es una obra penetrante y onírica de profunda profundidad psicológica.
• Hong Kong, 1962: Chow Mo-Wan (Tony Leung Chiu Wai) y Su Li-Zhen (Maggie Cheung Man Yuk) se mudan el mismo día a dos pisos contiguos. Sus encuentros son formales y corteses, hasta que un descubrimiento sobre sus cónyuges crea un vínculo íntimo entre ellos. A la vez de modales delicados y visualmente extravagante, In the Mood for Love, de Wong Kar Wai, es una evocación magistral del anhelo romántico y de los momentos fugaces. Con su conmovedora banda sonora y la exquisita y abstracta fotografía de Christopher Doyle y Mark Lee Ping Bing, esta película ha ejercido una gran influencia estilística en las últimas dos décadas del cine y constituye un hito en la formidable carrera de Wong.
• 49 - CARACTERÍSTICAS DEL SET DE COLECCIÓN DE LA EDICIÓN ESPECIAL EN BLU-RAY
• Restauraciones digitales de las cuarenta películas
• Cientos de horas de contenido adicional
• Bandas sonoras alternativas y pistas dobladas
• Comentarios de audio
• Documentales exhaustivos y programas sobre el «making of»
• Entrevistas con el reparto y el equipo técnico
• Tomas descartadas y escenas eliminadas
• Tráilers y anuncios de televisión
• Subtítulos en inglés y subtítulos en inglés para personas sordas y con discapacidad auditiva
• Selección de vídeos de «Crition Closet Picks»
• ¡Y mucho más!
• PLUS: Edición de lujo con un libro de 216 páginas profusamente ilustrado que incluye ensayos sobre las películas escritos por críticos, estudiosos y autores